Geen enkele kunstvorm staat op zichzelf. Van film tot fotografie tot mode, elk gebied van de kunsten vervaagt met en leent van elkaar.
Dit delen van inspiratie is zowel vruchtbaar als natuurlijk. Het is logisch dat het ene type kunstenaar het andere zou inspireren – en vaak is het wanneer deze genregrenzen naar beneden komen dat er echt mooie dingen gebeuren.
Voor een perfect voorbeeld hoef je alleen maar te kijken naar de adembenemende beelden die worden gemaakt wanneer fotografen hun medium gebruiken om klassieke schilderijen opnieuw te interpreteren.
Door de ideeën van de schilder over te brengen van doek naar camera, geven ze ze nieuw leven en dimensie.
Tegelijkertijd is het brengen van een eerbetoon aan iconische kunstwerken een manier om de kijker onmiddellijk te grijpen met een gevoel van vertrouwdheid en een echo van de emotie die ze voelden toen ze die kunstwerken voor het eerst zagen.
Dus als je een fotograaf bent die vastzit voor inspiratie, wees dan niet bang om te lenen van de groten. Experimenteer met je fotografische stijl – probeer iets unieks en edgy, zoals glitch art, of gebruik zelfs een app om van een foto een schilderij te maken.
Bekijk de onderstaande lijst van acht hedendaagse fotografen die inspiratie vonden in de schilderkunst en gebruikten het om hun eigen verbluffende fotografiewerken te maken.
Inhoudsopgave
1. Sir John Everett Millais en Gregory Crewdson
Ophelia is een van de beroemdste kunstwerken gemaakt door de Britse schilder Sir John Everett Millais. Op het schilderij zie je een van de belangrijkste heldinnen uit William Shakespeare’s toneelstuk Hamlet. Ze drijft sierlijk in een rivier in Denemarken vlak voor het moment dat ze in het water verdrinkt.
Het schilderij kreeg gemengde recensies van de critici, maar het wordt tegenwoordig nog steeds erkend als een van de belangrijkste kunstwerken van het midden van de negentiende eeuw.
Decennia later was het Gregory Crewdson die zich liet inspireren door de betoverende Ophelia en het schilderij vanuit een hedendaags perspectief nabootste.
Het resultaat is een adembenemend beeld – uitgebreid geënsceneerd om het beklijvende verhaal te ondersteunen. Als je een fan bent van deze visuele stijl, raad ik je aan om “Gregory Crewdson: Brief Encounters” te bekijken, een documentaire over de auteur en over zijn visie.
2. Gustav Klimt en Inge Prader
Gustav Klimt is een bekende naam in de kunstwereld. Hij is beroemd om zijn symbolische schilderijen die generaties beeldend kunstenaars hebben geïnspireerd na zijn dood in 1918.
Hij was zijn hele carrière actief, maar zijn meest succesvolle periode werd de Gouden Fase genoemd. Tijdens dit piekmoment creëerde hij wat waarschijnlijk zijn meest prominente werk is: The Kiss.
Het sprankelende licht van zijn Gouden Fase bleek een grote inspiratiebron voor Inge Prader, die een verbluffende hedendaagse interpretatie van Klimts kunst maakte.
De Oostenrijkse fotograaf bracht de schilderijen tot leven met behulp van real-life modellen, ingewikkelde kostuums en goed gecomponeerd prachtig licht.
3. Sandro Botticelli en Giuseppe Gradella
De geboorte van Venus is een kunstwerk van de Italiaanse schilder Sandro Botticelli en het is een van de symbolen van de Renaissance.
Het toont Venus, die de godin van de liefde was in de Romeinse mythologie (ze was eigenlijk de Romeinse tegenhanger van de Griekse godin Aphrodite). Op het schilderij zie je haar aankomen aan de kust kort nadat ze in zee was geboren.
Dit schilderij is zeker zo beroemd dat het een groot aantal visuele interpretaties heeft van verschillende kunstenaars, maar degene die ik heb gekozen verdient speciale aandacht. Het lijkt Venus letterlijk in een tijdmachine te plaatsen en haar over te brengen naar onze moderne tijd.
De auteur van deze hedendaagse Venusvisie is de Italiaanse fotograaf Giuseppe Gradella. Het portret maakt deel uit van zijn fotoserie genaamd “Italiaanse Renaissance”. Daar zie je veel moberoemde portretten die bewijzen hoe de ene kunstvorm de andere kan inspireren en hoe ze prachtig door elkaar kunnen worden gehaald.
4. Edward Hopper en Richard Tuchman
Edward Hopper wordt algemeen erkend als de belangrijkste realistische schilder van de VS in de twintigste eeuw en heeft tegenwoordig een speciale plaats in het hart van veel fotografen.
De naam van dit schilderij is Hotel by a Railroad en het is een typisch voorbeeld van zijn stijl – subtiel en onopvallend, maar toch krachtig.
Gefascineerd door de sfeer in zijn kunstwerken, creëerde Richard Tuschman zijn tribute fotoserie genaamd Hopper Meditations.
De techniek die de fotograaf hier gebruikt is op zijn zachtst gezegd indrukwekkend (evenals de resultaten!). De beelden worden gemaakt door diorama’s ter grootte van een poppenhuis digitaal te combineren met echte modellen. Hij deelt ook:
De decors heb ik gebouwd, geschilderd en gefotografeerd in mijn atelier. Veel van de meubels zijn standaard poppenhuismeubels, maar sommige heb ik zelf gemaakt. Vervolgens fotografeerde ik de live modellen tegen een eenvoudige achtergrond en ten slotte maakte ik de digitale composieten in Photoshop.
5. Rene Magritte en Logan Zillmer
Als het gaat om replicaties en herinterpretaties, bekleedt de Belgische kunstenaar Rene Magritte een van de topposities. De existentiële vragen die hij stelt, samen met zijn kenmerkende minimalistische stijl, zijn een inspirerend startpunt voor veel creatieve fotografen over de hele wereld.
Logan Zillmer is zeker een van die fotografen. Hoewel zijn werk sterk beïnvloed is door Magritte, heeft het een eigen karakter. Zijn foto’s hebben de neiging om wat meer aan de zonnige kant te kijken met een vleugje humor en optimisme.
Dat is duidelijk te zien aan zijn samengestelde foto getiteld Looking for Sun, die sterk doet denken aan Magrittes populaire schilderij Golconda – alleen is de hoofdpersoon dit keer niet in het zwart gekleed met een bolhoed. Zillmer’s hoofdpersoon lijkt meer op het soort man dat je ’s ochtends op weg naar je werk tegenkomt, maar dan met een eigenaardige zoektocht: de zon vinden.
6. Sir Frederic Leighton en Annie Leibovitz
Flaming June is de naam van sir Frederic Leighton’s meesterwerk schilderij dat werd gemaakt in 1895. Het portretteert een jonge vrouw die gracieus slaapt – het beeld van haar is gewoon betoverend met de rijkdom van haar kleuren.
Er wordt aangenomen dat haar figuur parallellen oproept met de slapende nimfen en ook met de naiads (in de Griekse mythologie zijn naiads een vorm van een vrouwelijke geest die rond zoet water woont).
Aan haar rechterkant is er een oleanderbloem die giftig is en deze is daar hoogstwaarschijnlijk geplaatst om het fragiele verband tussen slaap en dood te benadrukken.
De beroemde hedendaagse fotograaf die met haar fotografie dit etherische schilderij nieuw leven inblies is Annie Leibovitz. De foto is speciaal gemaakt voor Vogue en toont de getalenteerde actrice Jessica Chastain (die twee keer is genomineerd voor een Academy Award voor beste actrice).
7. Egon Schiele en Peter Lindberg
Er is een echt sterrentrio bij betrokken: de Oostenrijkse schilder Egon Schiele, de succesvolle Amerikaanse actrice Julianne Moore en de Duitse modefotograaf Peter Lindbergh.
Egon Schiele was een van de grote schilders van de vroege jaren 20Þ eeuw. De verwrongen lichaamsvormen die hij creëerde, gekenmerkt door rauwe intensiteit en magnetisme, vormden zijn kenmerkende artistieke stijl – het soort stijl om een spoor achter te laten in de geschiedenis en om de aandacht te trekken.
Bijna honderd jaar na Schiele’s dood werd een van zijn meest geëerde schilderijen, Zittende vrouw met gebogen knie, nagebouwd door de beroemde hedendaagse fotograaf Peter Lindbergh.
Peter Lindbergh heeft onlangs onze wereld verlaten, maar zal altijd herinnerd worden als een van de meest invloedrijke modefotografen die anderen inspireerde om de onvolkomenheden van het model te omarmen in plaats van ze in postproductie met een penseel weg te vegen.
8. Frida Kahlo en Fredrik Wannerstedt
Frida Kahlo is een Mexicaanse kunstenares die bekend staat om haar portretwerk en vooral om haar zelfportretten. Ze werd beïnvloed door de inheemse Mexicaanse cultuur en haar schilderijen waren diep symbolisch.
Kahlo nam vaak herhalende elementen op in haar werk, zoals bloemen, vogels en apen die in heldere levendige kleuren werden afgebeeld.
Dit magisch realisme draaitd out om een pure bron van inspiratie te zijn voor de in Stockholm gevestigde fotograaf Fredrik Wannerstedt. In zijn modefotoshoot maakte hij een van Frida Kahlo’s beroemdste zelfportretten.
De levendige kleuren die hij gebruikt samen met het mystieke licht zorgen echt voor een opmerkelijke persoonlijke interpretatie die zowel een eerbetoon is, maar tegelijkertijd een zeer creatief beeld op zichzelf.
Bekijk deze 8 essentiële tools om je te helpen slagen als professionele fotograaf.
Inclusief tijdelijke kortingen.
Lees hier meer